Recensione teatrale: Shakespeare Company cattura la discordanza intrinseca di "Il racconto d'inverno"

Nel regno del pubblico e della critica moderna, “Il Racconto d'Inverno” di William Shakespeare emerge come un capolavoro intrigantemente discordante.

Il titolo stesso suggerisce una favola stravagante, un racconto inventato per allietare le serate invernali.

Tuttavia, la prima metà svela un'esplorazione profondamente sfumata della gelosia di Leonte, un tour de force nell'approfondimento della psicologia umana, mostrando un'intensità e un realismo inesorabili.

Questo segmento funge anche da potente rappresentazione dei pericoli e delle responsabilità inerenti alla monarchia, riecheggiando i temi del "Re Lear" di Shakespeare. Qui sta l’enigma: perché l’opera prende una svolta improvvisa nella sua conclusione? Perché Shakespeare, dopo aver costruito meticolosamente lo slancio tragico nei primi tre atti, sceglie di disarmarlo con elementi fantastici e magici negli ultimi due atti?

Nella produzione della Long Beach Shakespeare Company, diretta dalla regista Lauren Johansen, questi toni disparati all'interno dell'opera non vengono fusi insieme con forza. Invece, Johansen sembrava abbracciare ogni sfaccettatura, permettendo alla cruda intensità dei primi atti di coesistere con l'incanto comico dei secondi.

Il cast, mostrando una notevole coesione, brillava di una forza collettiva – un nuovo segno distintivo di questa compagnia teatrale. In mezzo a questo ensemble, due esibizioni si sono distinte distintamente. Il ritratto di Hermione di Anastasia Cabaj ha tracciato il toccante viaggio da regina autorevole a prigioniera vulnerabile, un'interpretazione così commovente da evocare lacrime. Altrettanto sorprendente è stata Amazing Oakes nel ruolo di Paulina, la cui maestria nel dialogo shakespeariano continua a decifrarne le complessità anche per l'orecchio non iniziato.

La scenografia, di Jason Sheppard, ha fatto un uso efficace dello spazio limitato, fornendo uno sfondo che facilitava le atmosfere distinte dello spettacolo. Sfortunatamente, gli intricati cambi di scena devono essere eseguiti con precisione poiché c'è pochissimo spazio per errori, poiché c'è pochissimo spazio, e la mancanza di entrambi porta a un paio di scomodi cambi di scena.

La costumista Orion Dickey si è avventurata in un regno fantasy rinascimentale, evocando una sorta di estetica da videogioco. Sebbene questa scelta abbia conferito alla produzione una qualità ultraterrena, alcuni costumi avrebbero potuto beneficiare di un ulteriore supporto strutturale per migliorare l'aspetto delle attrici.

La verosimiglianza è uno degli obiettivi che spesso cerchiamo sul palco; vogliamo che qualcosa assomigli alla vita, nel modo più onesto possibile, anche se la storia che stiamo raccontando è fantastica o mitologica.

Ciò in cui spesso ci troviamo bloccati è un tono e quando interveniamo su altri aspetti della vita, è stridente. La vita è stridente, la vita è sorda dal punto di vista tonale, quindi forse cerchiamo di guardare solo un aspetto alla volta sul palco come un modo per compensare il costante cambiamento della vita reale.

Questa nozione risuona con l'essenza di “The Winter's Tale”, i cui bruschi cambiamenti di tono imitano le fluttuazioni imprevedibili della vita reale. Nel mezzo dell'apparente desolazione, la vita spesso svela soluzioni sorprendenti, spingendoci a confrontarci con l'interazione tra le intense emozioni umane e gli elementi fantastici che si intrecciano attraverso le nostre narrazioni.

La dedizione del cast e la direzione penetrante di Johansen mettono in mostra l'essenza dell'opera, catturandone la discordanza intrinseca come specchio del corso imprevedibile della vita.

L'altro spettacolo che aprirà questo fine settimana è "Exit Wounds" all'International City Theatre. Cerca quella recensione la prossima settimana.

Quando:Fino al 16 settembre

Dove:Teatro Helen Borgers, 4250 Atlantic Ave.

Costo:$23 ingresso generale, $13 per studenti

Informazione:lbshakespeare.org

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